EDUCANDO Y ACERCANDO:

LA IMPORTANCIA DEL ARTE EN LA EDUCACIÓN

Mis primeros acercamientos a un museo de arte cuando era niño, siempre fueron de expectación y curiosidad acerca de lo que podría encontrar en esos lugares tan importantes,existía una aura alrededor del museo. Sin embargo, la mayoría de las ocasiones no comprendía cual era el sentido real de lo que se exhibía dentro de ellos, sabía que el objetivo de asistir a esos lugares era el de aprender y conocer cosas que no estaban al alcance en nuestro contexto, por esa razón nos llevaban ahí.

Después, aprendería que desde hace tiempo en el sistema educativo se ha planteado la necesidad de incluir al arte en la educación y se han utilizado a los museos como herramientas formativas, llevar a niños y jóvenes a centros de cultura, museos, teatros, es fundamental para fomentar la apreciación artística y cultural; para motivar que esos jóvenes asistan posteriormente a estos sitios por iniciativa propia.

Sin embargo esto no es suficiente. Sin un impulso mayor del sistema educativo y de la familia, difícilmente los jóvenes acudirán a lugares como los mencionados, regularmente estos son espacios ajenos al publico donde se confronta a los jóvenes con la propia exclusión, actualmente existe una elite alrededor del arte.

Es indispensable que estos espacios sean desacralizados para que los visitantes aprovechen los beneficios que pueden obtener en estos recintos pero sobre todo es importante que el sistema de educación e incluso los padres sensibilicen a los jóvenes desde temprana edad para que el arte no les resulte ajeno.

En toda su educación, un porcentaje muy grande de mexicanos mayores de 18 años, han tenido un pobre acercamiento al arte, lo mas lejos que se podía ir con los libros gratuitos de la SEP era el renacimiento y quizá un esbozo del muralismo mexicano, el arte moderno no estaba contemplado dentro del plan, mucho menos el contemporáneo. Rudolf Arnheim decía "que el arte se ha degradado desde el renacimiento" , la verdad es que el arte no es el que se ha degradado, el arte como tal conserva aun su valor, es la sociedad la que ha degradado económica, histórica y socialmente al arte, este –fuera de su gremio– no constituye un objeto valorado y legitimado socialmente.

El ciudadano común no le otorga un valor esencial al arte en su vida, es usual que la gente al tener un hijo por recomendaciones y sentido común los incite a acercarse al arte, por medio de la música, pintura o danza, sin embargo al crecer los infantes y llegado el momento de elegir una ruta vocacional, estas disciplinas quedan relegadas a un pasatiempo, finalmente son actividades de las que se puede prescindir, ya que para la población común el arte no es redituable y la elección de una profesión es siempre influida mas por aspectos que garanticen seguridad y estabilidad económica que por vocación.

De acuerdo con Pierre Bourdieu, "la escuela debería, por lo menos en parte, compensar las desventajas de aquellos sujetos que no encuentran, en su medio familiar, la motivación para llevar a cabo prácticas sociales que cultiven la apreciación de obras de arte"; el autor apunta que los bienes acumulados en la historia de cada sociedad no pertenecen realmente a todos (aunque formalmente sean ofrecidos a todos), sino solamente a aquellos que disponen de los medios para apropiarse de ellos. El sistema educativo beneficia a los de mejor posición socioeconómica al ofrecerles los recursos para apropiarse del capital cultural.

Bourdieu dirigió muchos estudios sobre la educación francesa y sobre el público que asistía a los museos, los números que registró estadísticamente mostraron que la asistencia aumenta a medida que ascendemos de nivel económico y escolar, las posibilidades de acceso y de éxito en la escuela crecen según la posición de clase que se ocupa y la influencia recibida en la formación familiar, obviamente la conclusión de sus estudios es que “el acceso a las obras culturales es privilegio de la clase cultivada”.

¿Pero que pasa en un país donde la clase privilegiada es una minoría y el resto solo tiene acceso a la educación pública? En México el plan de estudios de educación primaria vigente no cuenta con un programa de educación artística, de hecho hace apenas tres años, en el 2006, el plan de estudios de educación secundaria fue reformado incluyendo en su mapa curricular una materia llamada: Artes (Música, teatro, danza o artes visuales) el propósito de la asignatura es:

“...que los alumnos profundicen en el conocimiento de un lenguaje artístico y lo practiquen habitualmente, a fin de integrar los conocimientos, las habilidades y las actitudes relacionados con el pensamiento artístico. Para alcanzar esta meta, el estudiante habrá de conocer las técnicas y los procesos que le permitan expresarse artísticamente, disfrutar de la experiencia de formar parte del quehacer artístico, desarrollar un juicio crítico para el aprecio de las producciones artísticas y la comprensión de que el universo artístico está vinculado profundamente con la vida social y cultural de nuestro país. Asimismo, mediante la práctica de las artes se busca fortalecer la autoestima y propiciar la valoración y el respeto por las diferentes expresiones personales, comunitarias y culturales.”

Sin duda estos objetivos son bastante ambiciosos pero en realidad están lejos de marcar una diferencia sustancial sobre todo porque en el nivel medio superior y nivel superior no existen materias relacionadas con el arte a menos que elijas alguna orientación vocacional relacionada con las artes.

Lorena Vera Verján en su Ensayo, ‘El arte: factor determinante en el proceso educativo’ menciona que:

“El arte en la educación es un factor determinante en el proceso del desarrollo evolutivo, sensitivo e intelectual del alumno, constituye un medio para comunicarse y expresarse en pensamientos y sentimientos. Cuando se imparte en el aula, se comienza a trabajar con la creatividad, la expresión y el desarrollo de la apreciación estética; elementos que logran integrar la personalidad del alumno, y que, en sí mismos, pueden llegar a ser terapéuticos, ayudar a liberar tensiones y a proponer soluciones creativas en la vida cotidiana. Su objetivo fundamental es lograr el proceso creativo en la educación; esto resultaría de forma más objetiva si este proceso llevase un planeamiento teórico práctico en los doce años de educación básica media; su importancia reside en la maduración de la personalidad del educando y considera un equilibrio en cuanto a pensamiento/cuerpo, razonamiento/ sensibilidad.”

La estimulación artística en los niños desde su temprana edad es básica, algunos científicos provenientes del campo de la microbiología, afirman que ...“son las experiencias tempranas las que contribuyen a la formación de los circuitos cerebrales, y que las experiencias sensoriales son fundamentales en la conformación de las estructuras del pensamiento, coinciden también en afirmar que es en esta edad cuando se encuentran abiertas las llamadas ventanas de oportunidad –denominadas también periodos críticos, durante los cuales, la experiencia que se da en la interacción con el medio, deja su huella en la mente humana–, donde la aportación adecuada permite la integración de redes neuronales que serán definitivas para el desarrollo posterior.”

La lista de requerimientos educativos del mexicano promedio, por lo menos en relación con el área de las artes puede continuar, ya que se sabe que en la educación mexicana desde hace varias décadas existe un hueco temporal que ha creado un abismo, entre la realidad y lo que se aprende en una institución educativa, el medio artístico hoy día es una red muy compleja de intereses que comprenden lo educativo, lo comercial, lo lúdico, hasta lo político y desafortunadamente la inercia social del país es tan grande que el movimiento contra corriente representa una nulidad, es importante pensar en que el crear una reforma educativa con la intención de hacer llegar el arte a todo el mundo es una utopia, sin embargo no es un esfuerzo fútil, individualmente estos mecanismos rinden frutos y promueven una mejor formación humana y un desarrollo cultural que facilitará la integración y desenvolvimiento plenos en el ámbito social. La enseñanza artística, más que un cúmulo de conocimientos, es un estilo, una manera de enfocar nuestra actitud hacia las cosas, hacia el entorno; una especie de predisposición especial para captar la belleza y la armonía y a su vez producirla.

Platón formuló que el arte debe ser la base de toda forma de educación natural y enaltecedora, en el medievo la universidad tenía cuatro facultades: Arte, derecho, medicina y teología y otorgaba títulos de Bachiller, licenciado, maestro y doctor, entonces ¿vale la pena preguntarse qué importancia tiene el arte en la educación no?.

En mi adolescencia soñé con ser artista y estudiar en la Escuela Nacional de Artes Plásticas, pintando o esculpiendo como aquellos virtuosos que conocí en libros cuando era más pequeño, crecí un poco y esa inercia social que mencione antes me empujo a cambiar mi elección pues de artista habría muerto de hambre ya que el nivel socioeconómico de mi familia no daba para mantener a un desempleado, finalmente elegí estudiar la licenciatura en Diseño y Comunicación Visual, y en tres de los cuatro años y medio de carrera cursé materias relacionadas con la historia del arte, no he estado alejado del medio artístico, asisto a exposiciones y galerías con frecuencia mayor al promedio y a pesar de esto de muchas maneras el arte sigue siendo ajeno a mi, lo percibo distante como si estuviera detrás de una membrana que solo algunos pueden traspasar, quisiera poder asegurar que si hubiera tenido una educación artística desde mi infancia podría entender muchas cosas acerca del aura misteriosa que despide el arte pero creo que Bourdieu al hablar de su definición de Habitus me ha dado la respuesta:

“... Mientras la estética de la burguesía, basada en el poder económico, se caracteriza por ‘el poder de poner la necesidad económica a distancia’, las clases populares se rigen por una ‘estética pragmática y funcionalista’. Rehúsan la gratuidad y futilidad de los ejercicios formales, de todo arte por el arte. Tanto sus preferencias artísticas como las elecciones estéticas de ropa, muebles o maquillaje se someten al principio de ‘la elección de lo necesario’, en el doble sentido de lo que es técnicamente necesario, ‘práctico’, y lo que ‘es impuesto’ por una necesidad económica y social que condena a las gentes ‘simples’ y ‘modestas’ a gustos ‘simples’ y ‘modestos’”.

Realmente la respuesta sí está en la educación, las barreras socioeconómicas siempre existirán, pero cuando se logre que los jóvenes se acerquen al arte y lo sientan suyo desde pequeños por medio de una sensibilización de parte de los medios educativos, las diferencias se harán menores y la discriminación a la que las clases populares han sometido al arte, parte por ignorancia y parte por desinterés dejaran de existir.





Arnheim, Rudolf, Consideraciones sobre la educación artística, Paidós, Barcelona, 1993, p.92
Bourdieu, Pierre y Alain Darbel (2003). O amor pela arte. São Paulo: edusp.
Garcia Canclini, Nestor - La Sociología de La Cultura de Pierre Bourdieu, p.2
Educación Básica. Secundaria. Plan de Estudios 2006, p. 41
Bertha Lorena Vera Verján, El arte: factor determinante en el proceso educativo
Begley, Sharon, “Your childʼs brain”, en Newsweek vol. CXXVII, no 8, New York, Febrero 19, 1996
El concepto de habitus de Pierre Bourdieu y el estudio de las culturas populares en México,Patricia Safa Barraza

Percepciones divergentes

Antes de mostrarles la imagen que dará pie a nuestro debate, los adentraré un poco en la campaña a la que pertenece y que lleva por título “Todos somos peatones”, ésta inició con motivo del Día Internacional del Peatón, arrancó el pasado 15 de agosto, entre sus festejos se llevaron a cabo actividades artísticas en cruces peatonales, leyendas que invadían el espacio público, actividad civil para crear conciencia, entre otras; a pesar de que la campaña se clausuró el 30 de agosto, ésta será permanente en el Distrito Federal.

No cabe duda que hace falta mucha educación vial entre los habitantes de la ciudad de México, pero –y es aquí donde comienza nuestro debate–, ¿qué tan eficaces pueden llegar a ser las imágenes que se utilizan para transmitir este sentido de conciencia?, ¿es funcional?, ¿se entiende a primera vista?, ¿realmente transmite lo que la campaña promueve?; todas estas preguntas se originaron hace un par de semanas, cuando regresaba de un viaje con un grupo de amigos, entre los que estábamos 5 diseñadores y una sicóloga, vimos la siguiente imagen y comenzamos a discernir respecto a su mensaje, el uso de imagen y todas las preguntas que anteriormente les hice, cada uno de nosotros tiene su postura y hoy en “Imaginando a Ikaro” deseamos conocer su opinión, espero puedan darnos sus puntos de vista desde la imagen, el mensaje, el medio en el que está, o cualquier otro dato que nos ayude al análisis de la imagen.






Esperamos sus comentarios.

EL ARTE ENEL SIGLO XX

La estación de Saint-Lazane en París / Claude Monet. 1877.

Monet se entisiasmó con la nueva tecnología que se percibía por todas partes y que influía fuertemente en la vida cotidiana. Captó la bulliciosa, ruidosa y confusa atmósfera de la estación ferroviaria.

1900. Máximo auge del imperialismo. Rebelión de los boxers en China. Fundación del Partido Laborista en Inglaterra. En Alemania entra en vigor el Código Civil.

1903. Primer vuelo a motor en un biplano construido por los hermanos Wright.

1905. Estalla la Revolución en Rusia. Nace el Fauvismo, "un arte de equilibrio, de la pureza y de la claridad..."

1907. Picasso realiza Las señoritas de Aviñón.

1909. El 20 de febrero es publicado el Manifeste du Futurisme y así nace el Futurismo.

1910. Igor Stravinsky compone El pájaro de fuego.

El arte no es sino un reflejo de la realidad, un producto de los hechos y aconteceres, que se vincula con los momentos ya sea de inercia o de cambio. Por tanto, los movimientos artísticos que se gestaron a principios del siglo XX no escapan a esto, ya que reflejan el movimiento, la ruptura, la crisis, el rechazo y al mismo tiempo los avances, el cambio, lo nuevo e incluso el futuro que al parecer nos alcaza de una forma vertiginosa. También los cambios políticos y sociales, que pronto descubrirían un nuevo mundo, donde gobiernos desaparecerán y surgirán. La guerra, la nueva forma de la guerra, que surgiría en este inicio de siglo marcará a la sociedad no sólo Europea, sino mundial. Y es de la guerra de donde nace el término con el cual se daría a conocer el arte de principios de siglo XX.

Vanguardia es el término y procede del francés Avant-garde,  propio del léxico militar que designa a la parte más adelantada del ejército, la que confrontará antes con el enemigo, la “primera línea de avanzada” en exploración y en combate. De esta forma una línea de artistas adelantados a su época transgreden las llamadas normas, buscan la ruptura con los viejos cánones y la renovación de una forma radical, sustituyen las tendencias, desean enfrentarse con lo establecido puesto que lo consideran obsoleto.

1912. Rodolf Steiner funda la Asociación Antroposófica .

1914. Comienza la Primera Guerra Mundial, que durará hasta 1918. Henry Ford desarrolla y comienza la producción en serie de automóviles.

1916. Nace en Zurich el Dadaísmo. Nace el Surrealismo, cuyo primer manifiesto sería presentado hasta 1924.

1917. La Revolución de Octubre derroca al Zar.

1918. Proclamación de la República de Weimar. Se funda la Bauhaus. Comienza la ley seca en E.U.

Siendo la ruptura con el pasado y la tradición el rechazo por la viejas formas de interpretar y crear del arte, las vanguardias impulsan el proceso de experimentación con nuevos materiales, desde nuevos puntos de vista, con diferentes formas de representar y presentarse en la sociedad de principios de siglo. Los artistas de vanguardia no sólo se distinguen por el rechazo de la viejas formas del arte, sino por ser férreos militantes políticos, que trasladaban su búsqueda de un cambio y renovación, al plano político y social: las vanguardias manifiestan su rechazo a la burguesía dominante que tiende a la exaltación de una serie de valores decimonónicos y superficiales.

Los ruidos de la calle invaden la casa / Umberto Boccioni. 1911.

Según los futuristas el ser humano tenía los medios adecuados para cambiar la imagen del mundo de una forma muy activa. Boccioni no sobrevivió la Primera Guerra Mundial, que destruyó las esperanzas de futuro de toda una generación.

Movimientos como el Art Nouveau, que buscaban la democratización del arte llevando el sentido de la estética hasta los objetos cotidianos y que éstos a su vez fueran asequibles a toda  la población, demuestran una clara oposición con los preceptos establecidos del arte, y la necesidad de un cambio ante la decadente sociedad de principios de siglo, la cual había cambiado drásticamente debido a la migración masiva hacia los nuevos centros urbanos industrializados.

1922. Mussolini marcha sobre Roma.

1923. Hitler marcha sobre la Feldherrnhalle de Munich.

1926. Alban Berg compone Wozzek.

1927. Charles Lindbergh sobrevuela el Atlántico (Nueva York / París),

1929. Viernes Negro: Crac de la bolsa neoyorquina. Se funda el museo de Arte Moderno de Nueva York.

Las fábricas en aumento, la polución y el estruendo producidos por éstas generaban un nuevo estilo de vida cuyo ritmo rompía con la calma de viejos tiempos de obsoletas costumbres; esos fueron los nuevos temas, las nuevas inquietudes de los artistas, poco a  poco abandonaron los paisajes y claros y retrataron el frenesí y descontrol de la ciudad, el ruido, la furia y el poder de las máquinas modernas.

A vista de algunos artistas, esta revolución tecnológica nos lleva a una revolución estética, la cual encuentra la belleza en nuevas formas y lugares y este sentir queda plasmado en el manifiesto Futurista.

“...un automóvil rugiente, que parece correr sobre la metralla, es más bello que la Victoria de Samotracia.” Manifiesto Futurista | Filippo Tommaso Marinetti

Al igual que los integrantes del resto de las vanguardias, los artistas que conformaron este movimiento tenían claros ideales revolucionarios ya fueran anarquistas, comunistas, o simplemente nacionalistas radicales, y coincidían en el menosprecio hacia la tradición y los convencionalismos académicos. Se dice del futurismo, que con el paso de los años habría contribuido al nacimiento del fascismo; aunque el futurismo y el fascismo están separados en el tiempo,  el movimiento artístico pregonaba en su manifiesto ideas como la violencia extrema y la exaltación de lo nacional, y el movimiento político representó la oportunidad de usar con éxito ideologías propias de esa vanguardia, lo cual permite explicar su aspecto típicamente nacionalista y agresivo.

“Queremos glorificar la guerra —única higiene del mundo—, el militarismo, el patriotismo, el gesto destructor de los anarquistas, las bellas ideas para las cuales se muere y el desprecio de la mujer.” Manifiesto Futurista | Filippo Tommaso Marinetti

1933. Hitler es elegido Canciller.

1934. Tras la muerte de Hindenburg, Hitler es nombrado Führer y Canciller.

1935. Se emiten las Leyes Raciales de Nuremberg contra los judíos alemanes.

 

1936. Juegos Olímpicos de Berlín. Comienza la Guerra Civil Española.

1937. Anexión de Austria al Tercer Reich. Picasso Realiza el Gernica.

1939. Con la invasión de Polonia comienza la Segunda Guerra Mundial, que dura hasta 1945.

Así como el fascismo encontró sus raíces en el manifiesto futurista, el dadaísmo surge por consecuencia directa de la Primera Guerra Mundial al crear una conciencia de inutilidad del arte y un grupo de personas, huídas del conflicto y establecidas en Zurich, deciden obrar en consecuencia manifestando su sentir, el cual es: si el arte es inútil y no hay lugar para él, vamos a destruirlo; vamos a destruir la concepción tradicional de la práctica artística. Los dadaístas asumen plenamente su propio papel histórico: el arte no es nada; si no hay sitio para el arte y para el artista, éste deja de tener sentido, renuncia a hacer obras de arte; lo único que hará será denunciar, con un nihilismo lleno de rigor ético.

Las bases de la sociedad / George Grosz. 1926.

Sosteniendo con fuerza una jarra de cerveza y un sable, con una cruz gamada en la corbata y con la caballería del Emperador en el cerebro hueco, un chauvinista se encuentra a la cabeza de Las bases de la sociedad. George empleó la destrucción dadaísta de las formas como efusiva defensa contra la hipocresía, la avaricia y el odio. El escándalo estñetico que causarón la fealdad y la distorsión se convirtieron en armas.

Así podemos ver que las vanguardias tomaban su sentir de los hechos sociales, de las transformaciones de principios de siglo. La búsqueda de la novedad y esa ruptura con lo establecido que las caracterizaba, así como su vínculo con los cambios políticos y sociales, determinarían de alguna forma su duración, ya que estos, si no terminaban llegarían a un momento de calma. Las vanguardias dejaron entonces de ser ruptura y desafío en cuanto se vieron acogidas por la sociedad, al punto no ser más lo nuevo, sino lo cotidiano. Podría decirse que en su espíritu se encontraba su fin.

1940. Las tropas alemanas invaden Francia y otros países.

1941. Alemania entra en la Unión Soviética. Japón entra en la guerra con el ataque sobre Pearl Harbour.

1943. Cambia el rumbo de la guerra tras la batalla de Stalingrado.

1945. Capitulación de Alemania. E.U. lanza la bomba atómica sobre Hiroshima y Nagasaki. La capitulación de Japón termina con la Segunda Guerra Mundial.

1948. Reforma monetaria en Alemania. Puente aéreo sobre Berlín para contrarestar el bloqueo soviético de la ciudad.

1949. Nace la República Federal Alemana, la República democrática Alemana y el Consejo Europeo de Estrasburgo. Victoria de Mao Tse-Tung en China.

Los grandes sonidos de estruendo de la vanguardia se dejaron de escuchar y pasaron a un tímido susurro agradable a los oídos de un público. Ahora, a mediados del siglo XX, tapados esos gritos, se produce un enfriamiento de la pintura, tanto en Europa como en Estados Unidos. El enfriamiento parecía ya imprescindible o muy necesario, después de los alardes emocionales de Pollock, Rothko y otros artistas de la época, y tiene varias manifestaciones: simplificando podemos hablar de una abstracta y otra que no lo es. La primera es la abstracción postpictórica y la segunda, la no abstracta —la figurativa— es el arte pop, que lleva a cabo el mismo proceso de enfriamiento, aunque por caminos diferentes y con medios también distintos.

Como lo definió Richard Hamilton, uno de sus iniciadores en Inglaterra, en una carta que escribió a Peter Smithson, a principios de 1957, “El arte pop es popular y destinado a un público amplio, pasajero y efímero, fácil de consumir y de olvidar, barato, producido en serie, joven y querido por la juventud, espiritual, sexy, llamativo, simpático, un negocio redondo”.

Los tiempos habían cambiado, una notable recuperación  económica y el consumo que traía aparejado se iba a convertir en la característica definitoria de esta nueva sociedad. Con el termino de la Segunda Guerra Mundial el regreso de miles de soldados a sus países y una aparente tranquilidad entre los bloques políticos, la sociedad se dedicó al consumo y buscó entretenimiento. A estas novedades responde el pop y, por eso, su desarrollo es mayor en las sociedades más avanzadas, también desde el punto de vista económico: los países anglosajones, Estados Unidos en primer lugar, e Inglaterra en segundo. En el resto de Europa la presencia del pop es menos fuerte y se carga de connotaciones que le acercan a otros movimientos o le hacen tomar otros nombres. El pop toma sus temas de la cultura popular, de la calle, tal como los transmiten los medios masivos, prefiriendo los lugares comunes y los estereotipos (la Coca-Cola, Marilyn, la fábrica Disney, entre otros).

M-Maybe (A gril´s picture) / Roy Linchtenstein. 1965.

¿Se trata sólo de un comic ampliado? Seguramente el cuadro M-Maybe de Roy dice mucho sobre la estandarización de las experiencias mediante un idioma pictórico comercializado, del cual ya no se puede huir si se vive en una gran ciudad.

Un notable distanciamiento de los preceptos de sus antecesores de principios de siglo. Estas nuevas corrientes buscan una integración encontrando puntos y lugares en común.

“El arte contemporáneo en la civilización occidental ha sido esencialmente un arte privado y no público, un arte para vender, un arte íntimo de pintura y objetos para ser poseídos” Lucy Lippard

Nuevos temas, nuevos soportes, nuevos espacios cuestionamiento del concepto de unicidad y perdurabilidad en la obra de arte. Esas eran, por lo menos idealmente, las características de la década de los setentas, aunque algunos artistas seguían utilizando el lienzo, si bien sus planteamientos se ajustaban a la revisión del concepto de originalidad: seguían pintando pero a menudo se apropiaban de imágenes existentes. Las manifestaciones de los setentas se replanteaban la tradición, pero la radicalidad última de sus propuestas debería ser puesta en tela de juicio desde la perspectiva actual: pese a querer borrar la historia, se seguía reclamando la paternidad/maternidad de la obra de arte.

1957. Vuelo del primer satélite artificial de la tierra: el Sputnik soviético.

1959. La victoria castrista en Cuba acentúa el conflicto este-oeste.

1961. La construcción del Muro de Berlín pone de manifiesto la división de Alemania.

1965. Comienza la revolución cultural China.

1966. Disturbios de estudiantes en los países occidentales en protesta de la Guerra de Vietnam.

1969. Primer aterrizaje en la Luna del Apollo 11.

1972. Terroristas árabes atacan la delegación de deportistas israelíes en los Juegos Olímpicos de Munich.

1975. Con la muerte de franco España vuelve a la democracia.

CANCIÓN PARA MI MUERTE

Hoy escuchando música al azar encontré una canción que hace mucho escuche al termino de una película y nunca supe que grupo la tocaba. Basta decir que durante la mañana ya la he escuchado como 15 veces. Me encanta. Al escucharla descubrí el nombre de esta, ahora se que se titula “Canción para mi muerte”, después de saber su nombre busque quien fueron los autores y así supe que el grupo se llamaba Sui Generis.

Banda conformada por Charly García y Nito Mestre y que fui muy popular durante la primera mitad de la década del 1970, pero que se desintegro el 5 de septiembre de 1975.

Después busque un video de la banda y bueno acá lo comparto con ustedes. Al ver el video me vienen a la mente muchos grupos de nuestros días, no solo de música en español sino en ingle. Y es una vez mal el tratar de recuperar o reciclar viejos estilos. No se si eso sea bueno o malo. Tal vez solo es una muestra de lo estancado que estamos hoy en día. Al termino de esta nota ya serán 18 veces las que escuche esta canción.

Canción Para Mi Muerte

Sui Generis

Hubo un tiempo que fue hermoso

Y fui libre de verdad

Guardaba todos mis sueños

En castillos de cristal

Poco a poco fuí creciendo

Y mis fábulas de amor

Se fueron desvaneciendo

Como pompas de jabón

Te encontrare una mañana

Dentro de mi habitación

Y prepararás la cama para dos

Tchu ru ru tchururu ru ruru, ru ru aaaaa

Es larga la carretera

Cuando uno mira atrás

Vas cruzando las fronteras

Sin darte cuenta quizás

Tómate del pasamanos

Porque antes de llegar

Se aferraron mil ancianos

Pero se fueron igual

Te encontraré una mañana

Dentro de mi habitación

Y prepararás la cama para dos

Tchu ru ru tchururu ru ruru, ru ru aaaaa

Quisiera saber tu nombre

Tu lugar, tu dirección

Y si te han puesto teléfono

También tu numeración

Te suplico qué me avises

Si me vienes a buscar

No es porque te tenga miedo

Solo me quiero arreglar

Te encontrare una mañana

Dentro de mi habitación

Y prepararás la cama para dos

Tchu ru ru tchururu ru ruru, ru ru aaaaa (bis)

YELLOW SUBMARINE

Existen dos cosas que recuerdo muy bien de cuando era niño. Y bueno las personas que me conocen sabrán que no tengo buena memoria. Pero esto siempre viene a mi mente, muchas veces sin ningún motivo, solo un pequeño recuerdo que me hace sonreír y recordar una esas pecunias cosas sencillas de la vida. Conversaciones que tal vez no engan ningún sentido recordar pero están en la mente intactas y felices.

Caminaba por la calle de la mano de mi madre y ella se detiene y me dice: “Debes de aprender ingle, para que puedas entender las canciones de los Beatles”. Y después de eso sonrío. La verdad es que hasta la fecha no he aprendido ingles, pero lo que si es que los Beatles me acompañaron durante un periodo largo de mi infancia y adolescencia. Ya que a mi madre de verdad le gustaban, no tanto como José José, pero si mucho. Mi padre tenia varios acetatos de ellos y en general no conocía personas quien no gustaran de alguna de sus canciones.

Crecí viendo viejas entrevistas y documentales de la época en que ellos vivieron y en la que ellos fueron influyentes para su generación, las cuales se encargarían como mi madre de trasmitir ese gusto. Me gusta sabes de ellos y ver su ingenio y locura. Vi sus películas y aún que extrañas me agradaban. No soy un fan del cuarteto de Liverpool solo creo que concuerdo con ciertos momentos y letras de algunas canciones. Pero en algún momento ya mayor, salio una reedición de la película Yellow Submarine y quise tenerla. En el momento carecía de dinero para comprarla así que no deje de lado ese deseo. Tiempo después alguien me facilito una copia de ella y fui feliz.

Me gustan la animación, me gustan los personajes y casi todas las canciones, de hecho podría decir que hasta la trama me agrada. Confieso que debo de estar de humor para verla de una sola sentada, pero me gusta. Este es uno de los disco que tengo en el automóvil y que cuando voy solo disfruto canturrear. Me hace feliz.

La grafica si no  generada del todo, si recopilada por este disco y película ha sido reutilizada una y otra vez y en las ocasiones que se hace con el cuidado necesario continua produciendo diseños geniales. El uso de los colores brillantes y líneas orgánicas tal ves nos sean gentiles y esa sea la razón de que agraden. La síntesis que se hace sobre los personajes, de cierta forma nos convierte de nuevo en niños, al momento en que solo percibimos la esencia de los mismos. No somos llevados a un mundo de fantasía, sino que nos hace posibles la trasformación de nuestro mundo en fantasía.

Su vigencia será aún larga y así lo demuestra el reciente lanzamiento de la versión de un videojuego que contiene varias de sus canciones y la constante reedición de sus discos. Y yo continuare viendo cada vez que pueda la película del submarino amarillo, la cual fue hecha en 1968 (hace ya 40 años). Película de trama sencilla y clásica. Población de un poblado (o mundo) que viven en paz y que son sometidos de manera sorpresiva por un régimen tiránico (de los Blue Meanies). Así que buscan ayuda fuera de su poblado y se topan con Ringo a quien convencen de que los ayude y este a su vez convence a sus amigos (el resto de los Beatles) de emprender el viaje a Pepperland. El viaje a bordo del submarino amarillo los lleva por distintos y peculiares mares, los cuales se mencionan a continuación.

Mar del Tiempo. Donde el tiempo retrocede y avanza al ritmo de la canción When I'm Sixty-Four.

Mar de la Ciencia. En el cual cantan Only a Northern Song.

Mar de los Monstruos. Donde el temible monstruo "aspiradora" aspira todo su entorno y a él mismo.

Mar de la Nada. Donde obtienen ayuda de un "hombre de ningún lugar", el "Doctor en Filosofía" Jeremy Hilary Boob, y cantan la canción Nowhere Man (confieso una de mis favoritas.

Faldas de los Encabezados. Donde se separan del submarino y John canta Lucy in the Sky with Diamonds.

Y final mente …

 

 

Bueno si uno cuenta el final creo que se pierde el chiste. Aunque este sea obvio. De momento dejo el Trailer de la película y un comic de ella. Espero cuando tengan oportunidad la vean.

¿QUÉ SOY? (2)

¿Qué tanta importancia le damos a las cosas que vemos día a día?  Y es que sólo vemos sin detenernos a observar algo. A lo largo del tiempo se supone que creamos un gran banco de imágenes –enorme–, pero, ¿realmente podemos identificar cada una de ellas? Yo siempre tengo problemas con eso.

Es por ello que me gustaría saber si es que soy el único o comparto este problema con más personas. Lograrás identificar a qué obra pertenece el fragmento que se muestra en la imagen de arriba, si alguna vez has tomado clases de Historia del Arte (sin dormir durante las proyecciones) creo que lo sabrás. Y si no, ¿sabrás de que se trata, quien lo ha hecho y de que corriente del arte representa.?

Dentro de dos semanas se publicará lo que realmente es y quién lo ha creado. Así como una lista de las personas que lo lograron identificar. Puedes mandar un correo con la respuesta que tú creas correcta, así como participar en la encuesta que se publicara en la parte de artilugios del Blog Imaginando a Ikaro sobre la corriente artística que representa dicha obra.

¡Suerte! ☺

¡LA RESPUESTA!

Un Elefante.

Las respuestas que no acertarón:

Karla Torres: Yo veo dos rosas rojas y un ángel sentado sobre una de ellas.

Medula Oblongata: Ups la verdad ya le busque y no se que es, se me hace como parte de una revista pero no tengo idea.

Alejandra Aguirre: Según yo es un cuervo y es de carlos payeiro pa una ilustración de libro de primaria o algo así…
 
Letra Hache: ¿Un pájaro? mmm, ¿una ballena? mmm, ¿en un billete?

Beuno la cuaestión es que nadie le dio al clavo. Y la pobre encuesta ni que decir. Que quedó de la siguiente forma:

Ilustración de revista: 3 votos

Ilustración de libro infantil: 3 votos

Booklet de cd: 1 voto

Cartel: 1 voto

Ilustración de revista: 0 votos

Soy parte de la serie de carteles Diseñando vida (serie de carteles) de Kazumasa Nagai. Nagai se dio el tiempo para crear carteles que nos hicieran reflexionar sobre el entorno en que nos encontramos y la importancia de la vida. Su obra, una evolución de la estampa japonesa con elementos futuristas, imágenes oníricas y planos geométricos nos llevan a compartir su particular forma de ver la vida. Imágenes que de alguna forma pese a la distancia y a una cultura completamente diferente no nos son del todo extrañas, ya que nos recuerdan a los alebrijes. Entidades que viven en nuestro sueños como lo comento Pedro Linares López a quien se le atribuye su creación.

He aquí algunos ejemplos de su obra.

Serie: Estoy aquí, 1992.

Serie: Estoy aquí, 1992.

Serie: Sálvame, por favor. Estoy aquí, 1993.

 

Serie: Sálvame, por favor. Estoy aquí, 1993.

  

Serie: Vida para compartir, 1994.

 

Serie: Vida para compartir, 1994.

  

Serie: Vida, 1995.

Serie: Vida, 1995.

Serie: Conserva la naturaleza, 1995.

Serie: Conserva la naturaleza, 1995.

Kazumasa Nagai (Breve Biografía)

Nacio en Osaka en 1929; En 1960 se une al Centro Nipon de Diseño . Gana el concurso del símbolo oficial de los Juegos Olímpicos de Invierno de Sapporo en 1966. Obtuvo la medalla de oro en la Primera Bienal Internacional de Cartel en Varsovia. Premio del Museo nacional de Arte Moderno dentro de la Sexta Bienal Internacional de la Estampa en Tokio; Premio de Diseño Mainichi; Medallas de oro y plata en la Exhibición de Idea Gráfica Japonesa en Nueva York en 1984; Primer Premio de la Categoría Cultura dentro de la Segunda Bienal Internacional de Cartel en México en 1992. Estos son solo una pequeña parte de sus lugros.

Candy Lovers:

Diseño independiente para quien ama los dulces

Para los que nos dedicamos al diseño es un pensamiento recurrente el vernos como nuestros propios jefes, no cumplir horarios, tener nuestra empresa y quizá hasta a nuestros empleados, frecuentemente soñamos con esto ya que es difícil que encuentres un trabajo donde todas las cosas sean como tú esperas, por lo regular debes adaptarte a los caprichos de jefes, editores, gerentes comerciales y, en ocasiones, hasta a los gustos de la señora de las tortas que te pidió un logotipo para su local (le sucede hasta a “el mejor”), es decir gente que en su mayoría no sabe nada de diseño, estoy convencido de que el 90% de los diseñadores tenemos como meta tener un negocio donde podamos hacer lo que nos gusta sin restricciones –bueno al menos yo si lo deseo y mucho jajaja–, y ¿dónde está la panacea, ese negocio que nos permitirá hacer todo eso y más? creo que he encontrado la respuesta y es en la creación de diseño independiente.

Hace unos días platicaba con Liliana Gutiérrez que es amiga mía y le comenté que desde hace tiempo siento admiración por lo que ha logrado hacer con su marca de accesorios llamada Candy Lovers; ha desarrollado por medio del diseño y su buen gusto una línea de accesorios como aretes, dijes, muñecas, y unas cuantas cosas más, que son la materia comercial de un negocio que es rentable, sustentable y que hasta ahora la ha llevado a ser reconocida por bastante gente como creadora independiente. Hace poco subí un post acerca de la feria organizada por el COME en el que Candy Lovers estuvo presente como exponente del diseño mexicano y siendo amigo de Liliana me parece que para muchos podrá ser interesante conocer más de este caso que hasta ahora ha resultado exitoso (más no sencillo) y también acercarse a estos excelentes accesorios.

Liliana estudió diseño conmigo en la ENAP es una chica muy divertida, extrovertida y trabajadora, desde esa época se podía ver en su actitud la inquietud por hacer cosas diferentes, en agosto del 2007 decidió emprender la aventura de llevar sus creaciones al mercado e iniciarse como empresaria, el camino ha sido duro con altas y bajas pero es un ejemplo de que si se quiere se puede.

Le hice algunas preguntas sobre sus lindos postres y esto es lo que me contestó:

¿De dónde surgió la idea por la cual nace Candy Lovers?
“La idea de hacer la estética de Candy Lovers es por retomar la corriente cute de cuando yo era niña, en nuestra generación hubo un boom de Hello Kitty, Rosita Fresita, Rainbow Brite, Care Bears, entre otros y realmente me obsesioné con esa estética... un día fui a una pastelería y me gustaron tanto los pastelillos.... parecían joyas!! y dije, bueno, por qué no hacerlos joyas? y pues así empezó”

¿Cómo describirías a tus creaciones?
“En Candy Lovers cada modelo es un personaje con una personalidad y un estado de ánimo.”

¿Sólo quieres mostrar diferentes personajes y por qué hacer comida con estado de ánimo?
Pues sí... tú siempre ves a la comida y te causa algo emocional ¿no? gusto, alegría y así, en Candy Lovers ellos se ríen contigo.

¿Deseas hacer una especie de sociedad Candy Lovers?
No...  más bien como un equipo, una familia, un grupo de personajes que quieras, ósea que te caigan bien.

¿Crees que tus personajes son reflejo de tu personalidad?, eres muy alegre.
La verdad sí, porque a veces cuando estoy triste me cuesta mucho trabajo hacerlos y me gusta que estén felices siempre, sorprendidos, soñadores, frenéticos, dormidos, traviesos, pero nunca tristes, ni enojados.

¿Qué futuro le ves a tu marca?
Pues quiero ampliar Candy Lovers a una línea de accesorios más amplia

¿Como ropa, bolsos y otras cosas?
Para este fin de año vamos a tener bolsas, playeras, carteras, y otras sorpresas

Excellente, ¿qué le dirías a la gente que no conoce tu marca pero que gusta de comprar accesorios, como la describes?
Candy Lovers es una línea de accesorios para chavas, inspirada en la cultura pop, con modelos basados en la comida chatarra y los dulces. Son exclusivos accesorios horneados en casa hechos a mano uno a uno, algo así, no sé... jajaja soy mala para las presentaciones.

Fueron sólo unas cuantas preguntas pero creo que una imagen dice más que mil palabras chequen su blog o su myspace y si gustan visiten su local de venta y exposición en el Bazar Fusión estará del 4 al 6  de septiembre en el parque México, colonia Condesa, quizá si son hombres no les interese mucho un dije con forma de paleta de fresa, pero si son mujeres estoy seguro que les encantaran estos curiosos personajes, además es bueno conocer lo que nos rodea y apoyar el crecimiento de la creación de diseño independiente en México, vivimos en una sociedad donde el bombardeo de productos consumibles es excesivo y en su mayoría estos vienen del extranjero, nosotros tenemos la calidad y la capacidad de crear productos que compitan con las exportaciones y seguramente serán de mejor manufactura, el futuro ideal que veo para el diseño es el de la creación independiente, el de generar proyectos creativos que sean aplicables a la necesidades de las personas para que éstas los vean y adopten sobre todo por reconocer que es algo bien hecho y funcional.

Asistan al Bazar Fusión, visiten el stand de Candy Lovers, chequen todas las cosas padres que pueden obtener ahí y como siempre ¡apoyen el diseño mexicano!

www.myspace.com/candyloversmakemesmile
www.thecandylovers.blogspot.com

¿Y COMO IMPRIMO MIS FOTOS?

Todavía recuerdo el momento en que compre mi ampliadora blanco y negro, justo al momento en que entre a la carrera de Diseño y Comunicación Visual. Trasforme una sección de mi cuarto en un cuarto oscuro. Durante la carrera ofrecía servicios de ampliación de fotografías a compañeros que por tiempo o falta de habilidad no podían realizar la ampliación de sus fotografías. Me encantaba y me encanta la fotografía. Siempre fue así desde que lo recuerdo. Mi primera cámara fue muy sencilla (una Kodak de color rojo) y me la obsequiaron en navidad. La primera cámara reflex que use fue una Canon AE-1, la cual era propiedad un vecino, cuyo padre tiene un estudio fotográfico, lo cual me hizo accesible el mundo de la fotografía.

Desde entonces he tomado fotos y debo aclarar que no muy buenas, pero no lo dejo de intentar. El proceso de tomar fotografías era tan divertido como el de revelado y ampliación. Recuerdo el olor de los químicos impregnado en mis manos y la sensación que dejaban en estas. Lo recuerdo como algo agradable. Ahora ya hace mucho que lo revelo algún rollo y mucho menos realizo una ampliación ya que casia finales de la carrera recibí una cámara digital (de eso ya unos 5-6 años) la primera Rebel digital de Canon y desde entonces el uso de la cámara reflex convencional quedo relegado, así como el uso de la ampliadora y desde entonces creo que no he mandado a ampliar ninguna fotografía.

Siendo hoy en día sencillo y barato la realización de ampliaciones procedentes de una cámara digital. Incluso con opción de subirlas a un servidor y recogerlas cuando estén listas. Cuando transito por las calles del centro donde solía comprar el papel y químicos necesarios para fotografía me pregunto cuanto tiempo le queda de vida a la fotografía análoga. Por que aquí no importa lo románticos que queramos ser y decir que continuare con un cuarto oscuro propio, ya que en algún momento se dejaran de producir los insumos necesarios. Ya paso con la película Polaroid (aunque existen intentos por resucitarla), una compañía se da cuenta de que el negocio ya no es rentable y deja de producir.

Señales como las que dio Ilford hace poco tiempo nos hacen ver. Ilford ya ha dado un paso adelante en la adaptación a la fotografía digital y ofrece un nuevo servicio online: Ilford Lab Direct . Se trata de un laboratorio digital, donde podemos subir nuestras fotos y solicitar copias exclusivamente en blanco y negro. La gran calidad que siempre ha caracterizado a la marca británica se extiende ahora en las copias en papel Ilford tradicional. Servicio que ya esta establecido y en activo en todo el continente europeo.

Otro servicio que en otros países ya es muy conocido y usado es la elaboración de libros fotográficos. Ahora garcías a Blukau podemos a acceder a este servicio en México. Así que desde su portal puedes crear y diseñar tu propio álbum de fotos. El cual será impreso de forma digital y te será entregado en la puerta de tu casa en unos cuantos días. El álbum podrá ser guardado en su servido para pedidos de copias cuando estas sean requeridas. Todo esto mediante el uso de un software proporcionado por el proveedor.

El costo de un álbum (FotoBluk) dependerá de esencialmente de 3 factores:

1. Las medidas
   
2. El tipo de forro
   
3. La cantidad de páginas
   

 Así es como la tecnología que en algunos casos provoca que métodos y costumbres desaparezcan, al mismo tiempo nos hace accesibles servicios que no se encontraban a nuestro alcance. Los días de la ampliación manual se alejarán cada vez más de nosotros. Pero la infinidad de soportes y métodos que pondrá a nuestro alcance la tecnología es sorprendente.

GRANDES MAESTROS DEL CINE JAPONÉS

Para conmemorar 400 años de amistad entre México y Japón, la Cineteca Nacional exhibe algunas de las obras más importantes de destacados cineastas nipones. Realizando con la colaboración de la Fundación Japón y la Embajada de Japón en México, el ciclo está compuesto por dos partes: La primera con películas traídas especialmente para la ocasión –algunas nunca vistas en México- la segunda con títulos clásicos que ya forman parte del acervo de la Cineteca Nacional.

CARTELERA

La puerta del infierno
(Jigokumon)
Dir. Teinosuke Kinugasa
Japón, 1953
Mar 1 / sep / 2009
17:00, 19:30 hrs

La condición humana, parte I
(Ningen no joken I)
Dir. Masaki Kobayashi
Japón, 1959
Mar 1 / sep / 2009
19:00 hrs.
Vie 4 / sep / 2009
18:00 hrs.

Historia de Tokio
(Tokyo monogatari)
Dir. Yasujiro Ozu
Japón, 1953
Mié 2 / sep / 2009
18:00, 20:30 hrs.

La condición humana, parte II
(Ningen no joken II)
Dir. Masaki Kobayashi
Japón, 1959
Mié 2 / sep / 2009
19:00 hrs.
Vie 4 / sep / 2009
20:00 hrs.

El intendente Sansho
(Sanshô dayû)
Dir. Kenji Mizoguchi
Japón, 1954
Jue 3 / sep / 2009
18:00, 20:30 hrs.

La condición humana, parte III
(Ningen no joken III)
Dir. Masaki Kobayashi
Japón, 1959
Jue 3 / sep / 2009
19:00 hrs.
Sáb 5 / sep / 2009
18:00 hrs.

Nubes flotantes
(Ukigumo)
Dir. Mikio Naruse
Japón, 1955
Vie 4 / sep / 2009
18:00, 20:30 hrs.

El hombre del carrito
(Muhomatsu no issho)
Dir. Hiroshi Inagaki
Japón, 1943
Sáb 5 / sep / 2009
18:00, 20:30 hrs.

La condición humana, parte IV
(Ningen no joken IV)
Dir. Masaki Kobayashi
Japón, 1959
Sáb 5 / sep / 2009
20:00 hrs.
Mar 8 / sep / 2009
19:00 hrs.

La condición humana, parte V
(Ningen no joken V)
Dir. Masaki Kobayashi
Japón, 1959
Dom 6 / sep / 2009
18:00 hrs.
Mié 9 / sep / 2009
19:00 hrs.

La evaporación del hombre
(Ningen Johatsu)
Dir. Shohei Imamura
Japón, 1967
Dom 6 / sep / 2009
18:00, 20:30 hrs.

La condición humana, parte VI
(Ningen no joken VI)
Dir. Masaki Kobayashi
Japón, 1959
Dom 6 / sep / 2009
20:00 hrs.
Jue 10 / sep / 2009
19:00 hrs.

Los samuráis del Shogun
(Yagyû ichizoku no inbô)
Dir. Kinji Fukasaku
Japón, 1978
Mar 8 / sep / 2009
18:00, 20:30 hrs.

Fancy Dance
(Fanshî dansu)
Dir. Masayuki Suo
Japón, 1989
Mié 9 / sep / 2009
18:00, 20:30 hrs.

Fuegos artificiales
(Hana-bi)
Dir. Takeshi Kitano
Japón, 1997
Jue 10 / sep / 2009
18:00, 20:30 hrs.

Permiso para vivir
(Ningen Gokaku)
Dir. Kiyoshi Kurosawa
Japón, 1988
Vie 11 / sep / 2009
18:00, 20:30 hrs.

Vivo o muerto
(Hanzaisha)
Dir. Takashi Miike
Japón, 1999
Sáb 12 / sep / 2009
18:00, 20:30 hrs.

Rashomon
Dir. Akira Kurosawa
Japón, 1950
Dom 13 / sep / 2009
18:00, 20:30 hrs.

Cuentos de la luna pálida de agosto
(Ugetsu monogatari)
Dir. Kenji Mizoguchi
Japón, 1953
Mar 15 / sep / 2009
17:00, 19:00 hrs.

El arpa birmana
(Biruma no tategoto)
Dir. Kon Ichikawa
Japón, 1956
Mié 16 / sep / 2009
18:00, 20:30 hrs.

Kuroneko
(Yabu no naka no kuroneko)
Dir. Kaneto Shindo
Japón, 1968
Jue 17 / sep / 2009
18:00, 20:30 hrs.

La mujer de arena
(Suna no onna)
Dir. Hiroshi Teshigahara
Japón, 1964
Vie 18 / sep / 2009
18:00, 20:30 hrs.

Sanjuro
(Tsubaki Sanjûrô)
Dir. Akira Kurosawa
Japón, 1962
Sáb 19 / sep / 2009
18:00, 20:30 hrs.

Furyo
(Merry Christmas, Mr. Lawrence)
Dir. Nagisa Oshima
Japón-Gran Bretaña, 1983
Dom 20 / sep / 2009
18:00, 20:30 hrs.

FECHAS Y COSTOS

Del 1 al 20 de septiembre de 2009.
Costo de boletos.
Boleto general $40.00.
Boleto con descuento todos los días para maestros y estudiantes (presentando credencial vigente), así como niños menores de 12 años e INAPLEN $25.00.
Martes y miércoles entrada general $25.00 (excepto en muestras y foros).
Abono 10x8. Diez películas al precio de 8, para cualquier función u horario $320.00 público en general y precio especial para estudiante $200.00. De venta en taquillas. No aplican para muestras, foros y eventos especiales para los que se requiera invitación.
Costo de estacionamiento.
Antes de las 15:00 horas, $12.00 la  primera hora y a partir de la segunda $4.00 or cada 15 minutos. A partir de las 15:00 horas $25.00 cuota fija.

MAPA